Primer animal con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, Rin Tin Tin (1960)

Algunos creen que estuvo a punto de ganar un Oscar. Es parte de su leyenda. Lo cierto es que la huella de una de las patas de Rin Tin Tin se encuentra estampada en el paseo de la Fama de Hollywood Boulevard, en el 1623 de Vine Street de la ciudad de Los Ángeles, otorgada el 8 de febrero de 1960, en reconocimiento al enorme éxito y popularidad de sus películas. Se trata del primer animal en conseguir tal logro. Era un perro unido a la meca del cine, que protagonizó o intervino (casi siempre 'robando' los mejores planos) en más de treinta películas.

Su vida hasta llegar a ser una estrella del celuloide podría dar para un largometraje. Fue tal su éxito que salvó a Warner Bros. de la bancarrota en la década de 1920. Su popularidad no conoció fronteras y fue una de las primeras estrellas 'made in Hollywood' que triunfaron a nivel internacional. Para conocer toda su historia, nada mejor que empezar por el principio. Nuestro protagonista nació en Francia , en plena Primera Guerra Mundial. En este conflicto bélico los perros eran utilizados por el Ejército como mensajeros y para localizar soldados heridos en los campos de batalla.

Rin Tin Tin y sus hermanos y madre fueron los únicos supervivientes perrunos tras un bombardeo en Lorena (Francia), que previamente había estado controlada por los alemanes. Allí, en una perrera militar abandonada, es donde el sargento norteamericano Lee Duncan los encontró. Era el 15 de septiembre de 1918. Este militar amante de los perros consiguió rescatarlos y él se quedó con dos (un macho y una hembra). Les puso por nombre Rin Tin Tin y Nannette. Apenas tenían cinco días. Los nombres corresponden a una pareja de muñecos muy populares por aquellos años en Francia, de los que se aseguraba que traían buena suerte. Tras finalizar la contienda, y con su regreso a Estados Unidos , Lee Duncan consiguió tras un montón de gestiones y de lucha contra la burocracia que le permitieran volver a casa con sus dos colegas de cuatro patas.

Lo triste de esta historia es que Nannette, la hermana de Rin Tin Tin, enfermó al poco de llegar a Estados Unidos y murió. Desde el momento en que entre Duncan y el perrillo cruzaron sus miradas surgió una especie de vínculo que les acompañó de por vida. Comenzó como un juego, pero este pastor alemán o pastor alsaciano demostró tener unas habilidades que hicieron que su socio humano intentara entrar a formar parte del reparto de aquellas películas que comenzaban a tener éxito no solo entre adultos, sino también el público infantil.

En 1922, nuestro protagonista tuvo su primera oportunidad ante las cámaras. Sustituyó a un lobo que tenía que aparecer en 'Hell's River', un wéstern mudo. Gustó tanto que poco a poco pudo demostrar sus dotes y en 1923 consiguió, por méritos propios, ser el protagonista de 'Where the North Begins'. Este título fue todo un éxito de taquilla, al que siguieron más de veinte películas. ¡Había nacido una estrella de cuatro patas!

No solo en el cine silente; también en algunos títulos en los inicios del sonoro, como 'The Lone Defender' (1930), 'On the Border' (1930), 'The Man Hunter' (1930), 'Rough Waters' (1930) y 'The Lightning Warrior' (1931). Nuestro protagonista se convirtió en uno de los ídolos de la época, codeándose con Lionel Barrymore, June Marlowe y la mismísima Lilian Gish .

Su éxito sirvió para popularizar esta raza como mascota. Además, las grandes ganancias de sus películas contribuyeron al éxito de los estudios Warner Bros., al mismo tiempo que ayudaron a avanzar la carrera de Darryl F. Zanuck como guionista y productor ejecutivo. Rin Tin Tin, según cuenta Susan Orlean en el libro 'Rin Tin Tin the Life and the Legend', llegó a ganar más dinero que algunos de sus compañeros humanos. Por su participación en 'Lighthouse by the Sea', su salario era de 1.000 dólares a la semana , mientras que William Collier Jr , solamente percibía 150.

Durante toda su carrera, nunca se separó de Lee Duncan, que estuvo con él hasta que nuestro protagonista falleció el 10 de agosto de 1932 en Los Ángeles, a la edad de 13 años. Sus restos descansan en el Cimetière des Chiens et Autres Animaux Domestiques localizado en Asnières-Sur-Seine, a las afueras de París. Es el primer cementerio dedicado a las mascotas de la era moderna.

Parece que tras su muerte, Lee Duncan quiso que su fiel amigo descansará en el país donde había nacido. Con su desaparición –a los niños se les ocultó este dato– su nombre lo heredaron otros pastores alemanes o pastores alsacianos para que el personaje continuará viviendo sus heroicas aventuras. Con la llegada de la televisión , entre 1954 y 1959, Rin Tin Tin protagonizó una exitosa serie de televisión basada en las películas de antaño en la cadena ABC.

Sin embargo, si las películas de los años 20 eran mudas, la serie era ya sonora y se podían escuchar sus ladridos de alerta. Se tituló 'Las aventuras de Rin Tin Tin' y estaba protagonizada por Lee Aaker como el pequeño Rusty, un niño huérfano criado por los soldados de un puesto de la Caballería de los Estados Unidos.

A lo largo de las temporadas de la serie y de películas con Rin Tin Tin como protagonista, se llegaron a utilizar varios perros distintos. Uno de los canes que apareció en la serie fue el cuarto en la descendencia del Rin Tin Tin original. Hubo incluso una serie novelada para la radio.

Para terminar, diremos que Lee Duncan también dedicó toda su vida a entrenar y a preparar a cuatro generaciones de perros Rin Tin Tin para el cine y la televisión, hasta su fallecimiento de un ataque al corazón el 19 de septiembre de 1960 en Riverside (California). Tenía 67 años.

[Fuente: Carmen Aniorte para abc.es]

Primera patente del cinematógrafo, y no fue de los hermanos Lumière (1892)

Léon Guillaume Bouly (1872-1932) fue un inventor francés que creó el término «cinematógrafo».

Bouly, después de experimentar en el ámbito de la cronofotografia, en 1892, invirtió en una patente para un aparato que denominó "Cinematógrafo" y que, según él, era capaz de grabar automáticamente y sin interrupciones una serie de negativos en movimiento. En este aparato, la película era arrastrada por un rodillo y parada intermitentemente por un interruptor.

El 27 de diciembre de 1893, Bouly depositó una segunda patente por una nueva versión de su aparato que ahora era capaz no solo de grabar imágenes, sino también de proyectarlas. Este nuevo "Cinematógrafo" utilizaba una delicada película sin perforaciones que, en un principio, no permitirían una proyección estable. Sin embargo, no existe ningún artículo o documento de la época que atestigüe de ninguna proyección exitosa llevada a cabo con este aparato. Hoy en día, se conservan dos ejemplares al Conservatoire National des Artes te Métiers en París, pero su funcionamiento tampoco ha podido ser demostrado nunca.

En 1894, Bouly no fue capaz de seguir pagando su patente y el término de "cinematógrafo" quedó libre otra vez, de lo cual los Hermanos Lumière se aprovecharon al comprar los derechos del dispositivo y el nombre, el cual aplicaron a su propio aparato en 1895, el Cinematógrafo que hoy en día todos conocemos.

Lo que, además, poca gente sabe es que este invento no fue idea de los Lumière (o al menos no únicamente) sino que también la tuvo algunos años antes un religioso español: Mariano Díez Tobar.

Por si esto no fuera poco, el cinematógrafo utilizaba una película perforada de 35 milímetros de ancho. Aunque esa película era parecida a la del kinetoscopio de Thomas Edison, los Lumière, conscientes de que Edison la había patentado, decidieron hacer perforaciones circulares en vez de cuadradas, una a cada lado de cada fotograma, para así evitar problemas legales.

Bouly, Díaz Tobar, Edison..., uno poco de aquí, un poco de allá, pero quien se llevó la gloria final fueron los hermanos franceses.

[Fuente: Wikipedia]

'El viaje a ninguna parte', primer premio Goya a la Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guion (1986)

'El viaje a ninguna parte' es una película española de 1986 dirigida por Fernando Fernán Gómez y basada en la novela homónima de la que es autor.

La película narra la historia de un grupo de cómicos, la historia de sus amores y sus desamores, de sus deseos y sus frustraciones. A lo largo del viaje el trabajo se entremezcla con el amor, los problemas económicos con los familiares, el hambre con el triunfo soñado. El personaje central, Carlos Galván, es hijo del primer actor y director de la compañía, Don Arturo. Y es padre de Carlitos, el muchacho que no quiere ser cómico. Tanto Carlos como Don Arturo intentarán convencer a Carlitos de que se quede en la compañía. Mientras tanto, en la postguerra española, el milagro cinematográfico va llegando a las ciudades e incluso a los pueblos, y la gente ya no quiere ver teatro, lo que hace incierto el futuro de la compañía. Carlos, poco a poco, va siendo abandonado por sus compañeros y se verá obligado a buscarse un futuro en la capital.

El reparto principal de actores y actrices fue el siguiente: José Sacristan, Laura del Sol, Juan Diego, Nuria Gallardo, Fernando Fernán Gómez, Queta Claver, Emma Cohen, Agustín González, Carlos Lemos y Miguel Rellán.

Fernando Fernán Gómez tiene el privilegio de haber escrito la novela, dirigir, actuar y firmar el guion de la película. Una labor reconocida ampliamente en la 1.ª edición de los Premios Goya alzándose con los premios a Mejor Película, Mejor Guion y Mejor Dirección.

El film, producido por Ganesh Producciones Cinematográficas en colaboración con Televisión Española (TVE) y distribuido por United International Pictures, S.L. (U.I.P.), fue rodado principalmente en las localidades castellanomanchegas de Palazuelos (Guadalajara) y de Arisgotas (Toledo). La película también incluye imágenes de Orgaz (Toledo), de Ayllón (Segovia) de Madrid y de Casa de Uceda (Guadalajara).

La película, rodada en 35 milÌmetros eastmancolor panorámico, fue estrenada primero el 15 de octubre de 1986 en el cine Gran Vía de Madrid, y posteriormente el 7 de noviembre de 1986 en el cine Fantasio de Barcelona acumulando un total de 327.463 espectadores en salas de cine de España.

La crítica ha valoró la película como la que mejor ha retratado las giras de los cómicos de la legua, comediantes nómadas que en el Renacimiento y durante el Siglo de Oro español, solo o formando pequeñas compañías, hacían sus representaciones en pequeñas poblaciones de un circuito rural que recorría a pie, en caballerías o carros.

[Fuente: Wikipedia]

Primer Óscar al Mejor Actor, y no fue americano. Emil Jannings (1929)

Emil Jannings (Rorschach, Suiza, 1884-Strobl, Austria, 1950) fue un actor alemán de origen suizo, cuyo verdadero nombre era Theodor Friedrich Emil Janenz. Aunque suizo de nacimiento, se nacionalizó alemán. Jannings fue hijo de Emil Janenz, un hombre de negocios estadounidense de St. Louis, y su esposa Margarethe (de soltera Schwabe), originaria de Alemania. Jannings tenía ciudadanía alemana; mientras aún era joven, la familia se mudó a Leipzig en el Imperio alemán y luego a Görlitz después de la temprana muerte de su padre.

Estudió primero en Zúrich y luego en Görlitz. En esta ciudad inicia su carrera teatral, a los 18 años. A partir de 1901 trabajó con varias compañías de teatro en Bremen, Núremberg, Leipzig, Königsberg y Glogau, y en 1906 es contratado por Max Reinhardt para trabajar en el Deutsches Theater de Berlín. En 1914 se incorporó al mundo del cine, trabajando también con Max Reinhardt como productor. Participó en películas de Ernst Lubitsch y F.W. Murnau, en las que desplegó su gran talento, uno de los mayores que el cine mudo viera.

En 1926 se traslada a Hollywood, donde tiene el honor de ser el primer actor que consiguió un Óscar como mejor actor en la primera edición de estos premios en 1929, por sus magníficas interpretaciones en dos películas mudas: 'La última orden', de Josef von Sternberg y 'El destino de la carne' de Victor Fleming.

La llegada del cine sonoro le perjudicó, debido a su pésimo acento inglés, su diálogo en Betrayal de Lewis Milestone fue eliminado al resultar ininteligible y decidió regresar a Alemania en 1930, en donde llevará a cabo una de sus interpretaciones más recordadas, la del inocente maestro engatusado por la cantante que interpreta Marlene Dietrich en El ángel azul, de Josef von Sternberg. Su carrera artística en el cine sonoro no fue muy brillante, pero gozaba de una enorme popularidad en Alemania y, debido a su afinidad con el régimen nazi (otros dicen que solamente por el deseo de seguir filmando), permaneció en Alemania después de 1933, donde consiguió llegar a la dirección de la famosa productora cinematográfica UFA.

En la Alemania nazi, protagonizó varias películas que pretendían promover el nazismo, en particular el 'Führerprinzip' presentando personajes históricos inquebrantables, como 'Der alte und der junge König' (El viejo y el joven rey, 1934), 'Der Herrscher' (El gobernante, 1937) dirigida por Veit Harlan, Robert Koch (1939), 'Ohm Krüger' (El tío Kruger, 1941) y 'Die Entlassung' (La destitución de Bismarck , 1942). También actuó en su famoso papel en 'El cántaro roto' dirigida por Gustav Ucicky. El ministro de Propaganda Joseph Goebbels nombró a Jannings «Artista del Estado» (Staatsschauspieler).

Tras la derrota de los nazis en la Segunda Guerra Mundial, y a pesar de que rogó sin éxito a las autoridades aliadas de ocupación de Alemania que le permitieran trabajar nuevamente, con su reputación manchada por su trabajo con el gobierno nazi, nunca volvió a trabajar como actor.

Jannings se retiró a Strobl, cerca de Salzburgo, Austria, y se convirtió en ciudadano austriaco en 1947. Murió en 1950, a los 65 años, de cáncer de hígado. Está enterrado en el cementerio de St. Wolfgang. Su Óscar al Mejor Actor se exhibe actualmente en el Filmmuseum de Berlín.

[Fuente: Wikipedia]

'Wings' obtuvo el primer Óscar a la Mejor Película (1929)

'Wings' es una película muda dramático-bélica estadounidense de 1927 ambientada durante la Primera Guerra Mundial. Producida por Lucien Hubbard, dirigida por William A. Wellman y lanzada por Paramount Pictures, cuenta con las actuaciones de Clara Bow, Charles "Buddy" Rogers, Richard Arlen y Gary Cooper, quien aparece en un pequeño papel que ayudó a lanzar su carrera en Hollywood.

Wellman dedicó la película "a esos jóvenes guerreros del cielo cuyas alas están dobladas sobre ellos para siempre". Un anticipo se mostró el 19 de mayo de 1927, en el Texas Theatre en Houston Street en San Antonio. El estreno se celebró en el Criterion Theatre, en la ciudad de Nueva York, el 12 de agosto de 1927, y se proyectó durante 63 semanas antes de ser trasladada a los cines de segunda categoría. El lanzamiento original de Paramount de Wings estaba teñido de color y tenía algunas secuencias en un proceso de pantalla panorámica conocido como Magnascopio, introducido por Paramount en 1924 y compuesto por una pantalla circular y varios proyectores que pretendían dar la impresión al público de estar rodeados por la acción, efecto que también fue utilizado en la película 'Old Ironsides' de 1926, producida por Paramount. El estreno original también incluyó el proceso de color Handschiegl para las llamas y explosiones en las escenas aéreas. Además, algunas impresiones tenían efectos de sonido y música sincronizados, utilizando el proceso de sonido sobre película Kinegráfono de General Electric (más tarde, RCA Fotófono).

'Wings' se convirtió en un éxito inmediato tras su estreno y las sucesivas películas de aviación fueron realizadas con base en esta, en términos de "autenticidad del combate y alcance de la producción". Una de las razones de su resonante popularidad fue la obsesión pública con la aviación tras el vuelo transatlántico de Charles Lindbergh. El Cuerpo Aéreo que supervisó la producción expresó su satisfacción con el producto final. La respuesta crítica fue igualmente entusiasta y la película fue ampliamente elogiada por su realismo y destreza técnica, a pesar de una trama superficial, "un picnic de aviación", como lo llamó Gene Brown. Las escenas de combate de la película eran tan realistas que un escritor que estudiaba la película a principios de la década de 1970 se preguntaba si Wellman había utilizado imágenes reales de aviones que caían a tierra de la Primera Guerra Mundial. Un crítico observó: "La calidad excepcional de 'Wings' radica en su atractivo como un espectáculo y como una imagen de al menos algunas de las realidades de volar en condiciones de guerra". Otro escribió: "Nada en la línea de las imágenes de guerra ha empaquetado una mayor proporción de emociones reales en un metraje igual. Como espectáculo, 'Wings' es un triunfo técnico. Apila golpe a golpe hasta que el espectador está casi nerviosamente exhausto". Mordaunt Hall de The New York Times elogió la cinematografía de las escenas de vuelo y la dirección y actuación de todo el elenco en su crítica fechada el 13 de agosto de 1927. Hall solo nota dos críticas negativas: una ligera sobre la actuación de Richard Arlen y la final, que describió así: "Como tantas historias de la pantalla, demasiado sentimentales, y hay mucho más de lo que uno quiere".

El 16 de mayo de 1929, la 1.ª ceremonia de entrega de los Premios de la Academia se llevó a cabo en el Hollywood Roosevelt Hotel en Hollywood para honrar los logros cinematográficos sobresalientes de los años 1927 y 1928. 'Wings' fue la primera película en ganar el premio a la mejor película (galardón entonces conocido como «Película sobresaliente»), además de ganar el premio a los mejores efectos de ingeniería para Roy Pomeroy, entregado por única vez esa noche. Sin embargo, se consideró como la ganadora más importante a la película Amanecer, la cual ganó el premio a la «mejor calidad artística de producción». Al año siguiente, la Academia abandonó aquel galardón y decidió retroactivamente que el premio ganado por 'Wings' era el mayor honor que se otorgaría.

[Fuente: Wikipedia]